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Ulises Hadjis: "La idea de éxito se ha comido la importancia de la creación" PDF Imprimir Correo
04-03-2011 a las 12:32:26

El profesor explica que los estudiantes de Arte deben tener una comunicación honesta e integral con el profesor

 

Madelaine Cervantes-Prensa Cultura

 

  
  Hadjis: “La creación artística tiene que ser un territorio de libertad y de rebeldía”.
Foto: Jesse Hernández Luzardo

Otras voces y otros sonidos están abordando la escena musical contemporánea venezolana. Propuestas emanadas del imaginario de noveles protagonistas se hacen sentir en todos los géneros. Dentro de esta vanguardia musical encontramos a Ulises Hadjis, joven cantautor marabino que, de manera sencilla y armoniosa, ofrece al público su manera de interpretar el sentir humano a través de la música.

En La Ciega, edificio emblemático que albergó el nacimiento de nuestra alma máter y hoy es sede de su Facultad Experimental de Arte, nos recibe para presentarnos su trabajo y conversar sobre el devenir de la expresión artística en Venezuela.

_¿De qué manera define su obra como músico?

_Yo creo que son canciones, eso en sí mismo pareciera ser una explicación muy simple pero para mí no lo es tanto. Cuando empecé a tocar música, mis primeros grupos y proyectos eran de improvisaciones: tocaba batería y guitarra. No es sino hasta el 2001 que empiezo a tocar en grupos de canciones y me engancho en la idea de ser un compositor y cantar. Soy un cantautor pop, y hago canciones populares con todas las implicaciones que eso tiene, aunque ahora cuando alguien dice que hace pop se tiene la idea de que es algo que excesivamente masificado.

Hadjis observa desde otra perspectiva el desarrollo de la expresión musical contemporánea. “Pienso que la idea de éxito lamentablemente se ha comido la importancia de la creación y de la expresión. Con los medios masificados, se ha casado la idea de fama con la de arte: es como que ser músico y ser exitoso es ser un ídolo.

A su vez considera que otro aspecto característico a tomar en cuenta dentro del ámbito musical venezolano es el de la promoción de nuevos artistas. “Siempre he analizado esto: el 80 por ciento de las presentaciones de un artista venezolano son lo que llaman shows institucionales, los que organiza una empresa que contrata a los músicos. De eso vive el artista, lo cual no ocurre en otros países en donde la gente paga para verlos; eso hace que aquí la industria del entretenimiento opere de otro modo, acá la promoción tenemos que verla desde otro punto de vista”.

Señala que muchos artistas jóvenes ven el medio artístico como una industria para generar ingresos y no de creación artística. “Los artistas que, como yo, están más cercanos a ese tipo de creación honesta tienden a alejarse de esos aparatos, porque sienten que les son ajenos, lo cual también está mal, porque pienso que si hacen el intento de integrarse a estas estructuras les puede ir bien”.

Manifiesta tener una personalidad integradora, característica que le ha sido útil para desarrollar, a la par de su evolución como músico, el ejercicio como docente en la Facultad Experimental de Arte de la Universidad del Zulia.

 

“Hace poco di una conferencia a los cursantes de Antropología, y les decía que pareciera que el siglo XXI nos invita a dividirnos como profesionales y como humanos. Yo intento más bien a invitar a la gente que se integre en sus áreas profesionales, porque tiene más riqueza el que yo como profesional integre mi área de cantautor a mi área como docente, no de una forma simplista de traerme la guitarra y cantar con mis alumnos, sino cómo mi visión del mundo me lleva a reflexiones que puedo integrar a mi ejercicio docente y viceversa”, asegura.
 
_¿Cuál es ese elemento esencial que el docente debe ofrecer a los estudiantes de arte?

_Deben recibir de parte del profesor una comunicación honesta e integral, porque el proceso artístico es un muy íntimo. La vida personal y el ejercicio de un artista están integrados por antonomasia. Al presentarse esta dinámica, es difícil no tener una conexión emocional con el estudiante de arte. Debe haber una visión donde lo ético, lo creador y lo epistemológico esté comprometido y conectado como un todo. Un profesor de arte debe ser riguroso también, desde afuera mucha gente puede pensar que la educación en las artes es laxa y, al contrario, es más rigurosa, porque ningún conocimiento sobra dentro de la creación artística, nunca sabes qué herramienta puede ser valiosa.

 

Trayectoria

Músico por vocación y oficio desde los 12 años. Su primer disco como solista, Presente, fue editado en 2008 y producido por Roberto Rincón.

Ha participado también en varios compilados, en dúos con destacados cantantes como Mirla Castellanos.

Sociólogo, desde 2006 es profesor de la Escuela de Artes Escénicas (Feda-LUZ).

Su trayectoria musical goza de reconocimiento internacional, fue ganador del premio Grammy Latino como ingeniero de sonido del disco Cómo se llega a Belén de Voz Veis y se ha presentado en Argentina, México y España.

En 2011 prepara el lanzamiento de su segunda producción Cosas Perdidas, del cual ya suena en las radios el sencillo promocional “Música Normal”.

_Desde el punto de vista cultural, ¿cuáles serían los aportes de nuestra universidad en cuanto a la reformulación de la Ley de Educación Universitaria?

_El asunto es que esa ley planteaba la cultura como una herramienta política. Cuando se habla de generar una hegemonía cultural, se trata de que el Estado pretende que generemos algún tipo de constructo que pueda servirles a ellos como una herramienta de política interior y exterior. Es decir, pareciera que yo como artista en una universidad debiera proporcionarle al estado productos, movimientos y tendencias artísticas que ellos puedan utilizar y pienso que la Facultad de Arte tiene que ser un territorio de rebeldía ante esa posición, porque el arte no puede estar sometido a ser un instrumento del Estado.

La creación artística tiene que ser un territorio de libertad y de rebeldía ante la visión que se planteaba en el proyecto de ley sobre la interculturalidad, al indicar que ésta la constituía lo afro y lo indígena. A veces el artista se convierte en esclavo de esas directrices. El Estado piensa que la identidad es lo indígena y lo afro, lo cual no está mal, pero lo urbano, lo hispánico, las culturas árabes, asiáticas e italianas que ya tienen años aquí también forman parte de nuestra cultura y no pueden ser excluidas, yo siento que eso es importante declararlo y defenderlo dentro de una ley universitaria”.





Última actualización ( 04-03-2011 a las 12:40:28 )
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